Design / Stylisme

Depuis longtemps, ORLAN met en jeu la représentation de son corps pour interroger des phénomènes de société actuels avec une distance critique. Quand on désigne des sacs à main, des sacs à dos on fait référence au corps. Le sac est transporté par la main mais son nom pourrait nous faire croire qu’il contient des mains d’où l’idée d’inscrire sur les sacs qu’ils soient à mains, à dos ou autres, des parties du corps de l’artiste (des impressions de visage, d’œil, de boucle, d’oreille, de main…). Le sac est comme une prothèse qui nous permet de transporter des éléments dont nous avons besoin. Il est le développement, la suite de nos poches.

Déjà en 1964 dans la série des CORPS-SCULPTURES, elle met en scène pour la première fois son corps nu le plus souvent sans identité car les cheveux, un masque ou la position de son corps cache son visage. En 1984, ORLAN crée un masque imprimé avec une photo de sa vulve pour sa vidéo performance, Mise en scène pour un grand fiat. Elle utilisera cet accessoire à de nombreuses reprises par la suite notamment dans sa performance Kiss on pussy. Dans sa 1ère Opération-Chirurgicale-performance dite Bloc du shérif en 1986, elle se fait opérer masquée par moments. Bien sûr dans ses selfs-hybridations avec les masques de l’Opéra de Pékin en 2014, ORLAN reprend les masques chinois pour reprendre sa place en tant que femme dans un lieu où elles sont proscrites. Enfin avec le COVID21 , ORLAN réalise plusieurs œuvres autour du masque et du virus et crée des masques utilisables avec la photo de sa vulve et son arlequinade sur l’intérieur du corps, avec des bactéries, des cellules etc.

Après avoir longuement discuté avec lui, elle a voulu travailler avec ses propres cellules souches, et elle a proposé à l’Institut Pasteur un projet allant dans ce sens, qui a été refusé par le comité éthique car il est interdit en France de travailler avec ces propres cellules. Comme quoi, le corps et son utilisation sont politique. Notre corps ne nous appartient pas.

Finalement, l’Institut Pasteur, par l’intermédiaire de Fabrice Hyber, lui a proposé d’intervenir artistiquement dans leurs nouveaux bâtiments, OMICS, au sein du hall des bâtiments Simone Veil et Alexandre Yersin.

ORLAN a réalisé un environnement complet à partir d’images très colorées de ses cellules et de virus comme dans Le bœuf sur la langue, mais dans une autre version. Les mots inclus dans ces images très colorées arlequinoïdes étaient par exemple le mot « rage », « pasteurella pestis », « vaccin », ou encore « chercheuse », terme qu’ORLAN apprécie beaucoup car il souligne la féminisation des noms de métiers, alors que Marie Curie a beaucoup souffert en tant que femme d’être chercheuse parmi les chercheurs.

Les images ont été installées dans des caissons lumineux et sur un revêtement de sol, sur et en dessous de gradins et sur des tables rondes hautes recouvertes de cet imprimé. Le point final étant un très grand tondo, installé en haut sur le mur blanc en face des gradins.

Ces robes habillaient des mannequins noirs et étaient noires de dos, mais très colorées de face. Les meubles étaient notamment composés d’une table avec un plateau tournant et d’un très grand banc semi circulaire composé de tabourets sur roulettes s’interpénétrant, banc sur lequel le public s’est assis lors des multiples discussions organisées au cours de l’exposition au sujet des mots figurants dans l’espace. Les participants pouvaient soit rester dans la conversation de manière collective, soit faire rouler leur siège et se détacher du groupe et la parole redevenait individuelle.

Le concept de l’exposition reposait sur le mélange du design, de la mode, de l’art, de la sculpture, des textes et de l’imagerie médicale dans un même lieu, le musée des Beaux-Arts de Nantes.

En entrant dans l’installation, tout était noir et on ne comprenait pas ce que les mannequins tenaient. L’ambiance était lourde, inquisitionnelle, presque morbide. En avançant dans la chapelle de l’oratoire, petit à petit il était possible de lire les textes comme « dire », « athée », « sur-femme », symbiotique »… Et, en même temps, voir le devant des vêtements fabriqués avec ce velours de soie très coloré, comme une arlequinade.

ORLAN réalise en 2009 l’installation Suture-Hybridation-Recyclage dans laquelle elle hybride sa garde-robe suivant un même protocole avec David Delfin, Maroussia Rebecq et Agatha Ruiz de la Prada en leur demandant de trouver un moyen d’assembler deux de ses vêtements différents pour faire se rapprocher des temps, des matériaux, des stylistes et des moments de son histoire. Maroussia Rebecq a coupé deux vêtements et mis un petit lacet jaune fluo pour les rassembler, David Delfin a mis des rubans pleins d’agrafes, permettant de pouvoir les désolidariser et de les raccrocher à un autre vêtement créant ainsi une hybridation ou plutôt un assemblage temporaire et des hybridations multiples mouvantes.

Agatha Ruiz de la Prada, quant à elle, a proposé une solution plus radicale. Elle a soigneusement sélectionné dans son musée de très belles robes, les a coupées en deux et a scindé les vêtements d’ORLAN en deux à partir de la taille et les a assemblés.

Ainsi, chaque robe était recomposée avec une moitié de la robe d’Agatha Ruiz de la Prada, et une moitié des robes de la garde robe d’ORLAN dont je ne connais pas forcément le styliste. ORLAN a gardé depuis l’adolescence toute sa garde-robe.

LA RÉINCARNATION DE SAINTE-ORLAN OU IMAGES NOUVELLES-IMAGES DITES OPÉRATIONS-CHIRURGICALES-PERFORMANCES, est une série de 9 performances réalisée par ORLAN entre 1990 et 1993 à Paris, à Bruxelles et à New York. ORLAN crée cette série pour dérégler la chirurgie de ses habitudes d’amélioration et de rajeunissement et pour faire des opérations chirurgicales qui n’étaient pas censées apporter de la beauté mais de la laideur, de la monstruosité, de l’indesirabilité. 

L’idée centrale de ces opérations chirurgicales était de lutter contre les stéréotypes, contre les modèles. ORLAN n’est pas contre la chirurgie esthétique mais contre ce que l’on en fait. Elle utilise alors cette technique pour en faire une invention de soi-m’aime en s’attaquant au masque de l’inné. La première condition avec les different.e.s chirurgien.ne.s était pas de douleur car ORLAN est pour le CORPS-PLAISIR. Pour chaque performance ORLAN, décorait le bloc opératoire qui devenait par ce geste son atelier d’artiste. Elle était costumée ainsi que l’ensemble du corps-médical par un créateur de renom qui travaillait en collaboration avec l’artiste. Les performances étaient orchestrées par des lectures et lorsque le geste opératoire le permettait, ORLAN produisait des images, réalisait des films, des vidéos, des photos, des dessins avec son sang et ses doigts, des reliquaires avec sa graisse et sa chair, des sortes de « saint-suaires » réalisés avec son sang séché et de la gaze médicale issue de l’opération sur laquelle elle a fait des transferts photographiques, et des objets ensuite exposés dans des musées et galeries.

Des policiers ont voulus la verbaliser pour exhibitionnisme, mais c’était impossible car ORLAN était habillée des pieds au cou et avait dans son sac ses papiers d’identités. 

Dans l’espace public, les autres sont confrontés à la représentation de sa nudité, sans qu’elle soit effectivement nue. ORLAN met en évidence ce même écart dans la vie publique où les autres se représentent plutôt qu’ils ne se présentent. En ce sens, la performance agit sur l’espace réel en perturbant la relation à l’autre, en rendant la rencontre critique. ORLAN cherche à se rapprocher de l’environnement, des objets qui sont des médiateurs pour la rencontre avec l’autre et à créer en mettant à mal la loi et en la déreglant sans que l’on puisse la condamner.